On Contemporary Art Library

Eric Sidner (geb. 1985, USA) stammt aus Houston und lebt derzeit in Berlin. Er besuchte das California College of Arts in Oakland, Kalifornien, wo er einen BFA erwarb. Eric Sidner war Gaststudent an der Städelschule in Frankfurt am Main sowie Resident bei de Ateliers in Amsterdam, Niederlande (2013). Zu seinen jüngsten Einzel- und Gruppenausstellungen zählen Laurel Gitlen, New York, USA (2023); Deborah Schamoni, München, Deutschland (2022); Platform for Contemporary Sculpture, Tilburg, Niederlande (2019); Kunstverein Nürnberg, Deutschland (2017); Johan Berggren Gallery, New York, USA (2015).

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Eric Sidner (b. 1985, USA) is from Houston, and currently lives in Berlin. He attended the California College of Arts in Oakland, California, where he received a BFA. Eric Sidner has been a guest student at the Städelschule, Frankfurt, Germany as well as a resident at de Ateliers, Amsterdam, The Netherlands (2013). Recent solo and group exhibitions include Laurel Gitlen, New York, USA (2023); Deborah Schamoni, Munich, Germany (2022); Platform for Contemporary Sculpture, Tilburg, Netherlands (2019); Kunstverein Nürnberg, Germany (2017); Johan Berggren Gallery, New York, USA (2015).

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Hulda Rós Gudnadóttir's work blends her academic background in anthropology with personal experience. Using techniques like self-reflection, displacement, and defamiliarization, she challenges familiar narratives through a practice that explores complex, historically contingent spaces, framing the Sub-Arctic in relation to broader global imaginaries in poetic works. Her approach is long-term, involving research through art-making and on-site engagement. It is transdisciplinary, discursive, and collaborative, incorporating contributions from both professionals and non-experts. Her mediums include, but are not limited to, documentaries, installations, videos, performances, sculptures, and photography.

With numerous mentions in international art press like Flash Art and E-Flux Criticism and mainstream press like Deutschlandfunk radio, Tagesspiegel and taz her solo exhibitions and screenings include the Berlinische Galerie, Reykjavik Art Museum, and Künstlerhaus Bethanien. Hulda has participated in over 50 group exhibitions and events at renowned spaces worldwide. Residencies at the International Studio and Curatorial Program (NYC, 2023) and Künstlerhaus Bethanien (Berlin, 2018), as well as participation in art fairs like Spark Art Fair (Vienna, 2025), highlight her international reach.

Her awards include the 2019 Gudmundu Award and the 2016 Skjaldborg Award, among others, and she has been nominated for numerous film festival awards. Gudnadóttir holds an MA in interactive design (Middlesex University, 2001), a BA in visual art (Iceland University of the Arts, 2007), and a BA in cultural anthropology (University of Iceland, 1997).

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K. Schnappenburg wurde in einem Seemannsdorf nahe der Nordsee geboren. In ihrem Studium – zunächst an der Universität Bremen, dann am Goldsmiths' College in London und schließlich als Meisterschülerin an der Kunstakademie Düsseldorf – erkundete sie die Ausdrucksmöglichkeiten verschiedener Medien, wobei Malerei und Installation ihre Schwerpunkte blieben. Seit über 20 Jahren nimmt sie an Residenzen und Ausstellungen im In- und Ausland teil, hält Vorträge und gibt Workshops.

In den letzten Jahren entstanden mehrere Gemäldeserien, die sich mit dem Altern, Verschwinden und der Neubildung von Materie und Gedanken befassen. Wie formulieren sich kleinste Partikel und Gedanken im Laufe der Zeit neu, welche Formen nehmen Übergänge, Zustände und Erinnerungen an? Was passiert im kreativen Prozess? Durch das Durchdringen der Turbulenzen von Zeit, Grau und Farbe entstanden Bilder, die an Topografien von Steinen und Flechten erinnern, von der Farbverteilung auf alten Gemälden bis hin zu Pflanzen, Blättern und kulturellen Mustern. Gleichzeitig sind immer wieder Lichtinstallationen entstanden, die sich mit den sich ständig bewegenden Teilchen im dreidimensionalen Raum auseinandersetzen und deren Übergang vom Sichtbaren zum Unsichtbaren als Neuformierung zu chaotisch formulierten Strukturen begreifen.

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K.Schnappenburg was born in a sailor's village near the North Sea.In her studies - first at the university in Bremen, then at Goldsmiths' College in London and finally as a master student at the Düsseldorf -Art Academy - she explored expressive possibilities of different media, painting and installation remained her focus. For over 20 years she has participated in residencies and exhibitions nationally and internationally, lecturing, and giving workshops.

Over the last years, several series of paintings have been created that address the aging, disappearance and re-formation of matter and thoughts. How do the smallest particles and thoughts reformulate over time, what forms do transitions, states and memories take? What happens in the creative process? Allowing the turbulence of time, of grey and colour to pass through has produced pictures that are reminiscent of topographies of stones and lichens, from the distribution of colour on old paintings to plants, leaves and cultural patterns. At the same time, light installations have been created time and again that deal with the constantly moving particles in space in three dimensions and understand their transition from visible to invisible as reforming into chaotic formulated structures.

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Moreen Vogel (*1984 in Berlin) ist eine Bildhauerin mit Schwerpunkt auf figurativer und raumbezogener Plastik. Sie lebt und arbeitet in Berlin. Ihre künstlerische Ausbildung erhielt sie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee, wo sie von 2007 bis 2014 Bildhauerei studierte. Zu ihren prägenden Lehrern zählen Prof. Berndt Wilde, Inge Mahn, Prof. Hannes Brunner und Prof. Else Gabriel, bei der sie 2016 auch als Meisterschülerin abschloss. Ein Auslandsstudium führte sie 2010 an die Akademie der Künste in Sarajevo, Bosnien und Herzegowina. 

Ihre Arbeiten bewegen sich im Spannungsfeld zwischen Skulptur, sozialem Raum und kultureller Erinnerung. Neben ihrer künstlerischen Praxis ist Moreen Vogel in der kulturellen Bildungsarbeit aktiv und entwickelt partizipative Kunstprojekte mit Kindern und Jugendlichen, unter anderem im Rahmen von Kunst am Bau.

Ihre Werke wurden in zahlreichen Ausstellungen gezeigt, darunter im Kunstgewerbemuseum Berlin, der Panther Galerie, dem Museum Kesselhaus, sowie international in Sarajevo, Belgrad und New York. Sie erhielt mehrere Stipendien und Preise, u.a. das Elsa-Neumann-Stipendium des Landes Berlin (2017) und den Förderpreis des Landespreises Gestaltendes Handwerk Berlin (2020).

In ihren plastischen Arbeiten verbindet Moreen Vogel handwerkliche Präzision mit einem tiefen Interesse für narrative, gesellschaftlich verankerte Themen.

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Olivia Martin Moore verwandelt gefundene Materialien in Skulpturen, Collagen und ortsspezifische Interventionen, die sich mit der Geschichte von Medien und Raum auseinandersetzen. Papierepherma wie Plakate und Verpackungen werden zu steinartigen Formen verarbeitet. Werbetafeln werden zerlegt und wie Puzzleteile neu zusammengesetzt, sodass neue Bildwelten entstehen. Jedes Werk erzählt eine Geschichte und reflektiert kulturelle und soziale Praktiken, historische Narrative, Konsumverhalten und ökologische Fragestellungen.

Moore ist ehemalige DAAD-Stipendiatin und hat einen Master of Fine Arts der University of Texas at Austin sowie einen Bachelor of Fine Arts der University of Cincinnati. Bevor sie ihren MFA erwarb, arbeitete sie als Bildhauerin in der Automobilindustrie und spezialisierte sich auf Ton- und Digitalmodellierung für General Motors. Diese Erfahrung prägte ihr anhaltendes Interesse an Replikationsprozessen und künstlicher Nachbildung.

Ihre Arbeiten wurden international ausgestellt, unter anderem im The Contemporary Austin am Jones Center (Texas), bei Grounds for Sculpture am International Sculpture Center in Hamilton (New Jersey), im Amarillo Museum of Art (Texas) und im Wola Museum in Warschau (Polen). Im Jahr 2015 erhielt Moore ein Förderstipendium für ein öffentliches Kunstprojekt der Stadt Austin, eine Einzelausstellung in der Galerie Women and Their Work in Austin sowie das DAAD-Stipendium für Bildende Kunst in Berlin. Kürzlich hat sie außerdem Förderungen von der VG Bild-Kunst und der Senatsverwaltung für Kultur und Europa in Berlin erhalten.

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Olivia Martin Moore reimagines found materials through sculpture, collage, and site-specific interventions that engage with the history of media and space. Paper ephemera such as posters and packaging are pulped and cast into stone-like forms. Billboards are dissected and reassembled like puzzles, creating new imagery. Each work tells a story that reflects on cultural and social practices, historical narratives, consumerism, and environmental concerns.

Moore is a former DAAD fellow and holds a Master of Fine Arts from the University of Texas at Austin, as well as a Bachelor of Fine Arts from the University of Cincinnati. Before earning her MFA, she worked as a sculptor in the automotive industry, specializing in clay and digital modeling for General Motors. This experience informed her ongoing interest in replication processes and artifice.

Her work has been shown in international venues including The Contemporary Austin at the Jones Center in Texas, Grounds for Sculpture at the International Sculpture Center in Hamilton, New Jersey, the Amarillo Museum of Art in Texas, and the Wola Museum in Warsaw, Poland. In 2015, Moore received a public project grant from the City of Austin, a solo exhibition at Women and Their Work Gallery in Austin, and the DAAD Fine Arts Scholarship for Berlin. She has recently received additional support from VG Bild-Kunst and the Berlin Senate Department for Culture and Europe.

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HALTUNG

Die persönliche Einstellung, die auf Werten, Glaubenssätzen und Lebenserfahrungen basiert. 

VERHALTEN

Die direkt beobachtbare Gesamtheit von Handlungen und Reaktionen, die eine Person zeigt. 

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Sven Reile lebt und arbeitet in Berlin. Studium der Psychologie und Kunstgeschichte, Diplom in Psychologie.

Ausstellungen u.a. im Kunstverein Salzgitter (Mars Attacks), Bundeskunsthalle Bonn (Outer Space/Faszination Weltraum),

Altana Kulturstiftung/Museum Sinclair Haus (Himmelwärts), Kunstmuseum Albstadt (Auf zu den Sternen)

"Meine allererste bewusste Erinnerung ist die an die erste Mondlandung…im Alter von zwei  Jahren. Wahrscheinlich hat das von Beginn an die Grenzen des Lebensraumes verschoben und meine Neugier herausgefordert.

Das glitzernde Meer der Sterne ist für mich eine Quelle der Inspiration, ein Ort der Sehnsucht, eine Projektionsfläche meiner Träume.

Die Objekte, wie sie von Sonden gesehen werden geben Bildnis des Raumes, der uns umgibt. Für unsere Augen in den meisten Fällen unsichtbar, sind sie dennoch Teil der Wolke, aus der unser Sonnensystem und schließlich auch wir selbst entstanden sind."

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Sven Reile lives and works in Berlin. Studied psychology and art history, degree in psychology.

Exhibitions include Kunstverein Salzgitter (Mars Attacks), Bundeskunsthalle Bonn (Outer Space/Faszination Weltraum),

Altana Kulturstiftung/Museum Sinclair Haus (Himmelwärts), Kunstmuseum Albstadt (Auf zu den Sternen)

"My very first conscious memory is of the first moon landing... at the age of two. This probably pushed the boundaries of my living space from the outset and challenged my curiosity.
The glittering sea of stars is a source of inspiration for me, a place of longing, a projection screen for my dreams.
The objects as seen by probes provide an image of the space that surrounds us. Invisible to our eyes in most cases, they are nevertheless part of the cloud from which our solar system and ultimately we ourselves originated."

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Eugen Wist (b. 1989 in the USSR) studied Fine Arts at the University of Applied Arts Vienna and graduated from Städelschule Frankfurt. 

His artworks and mise-en-scène-like installations draw upon elements of longing, transience, intimacy, and a sense of melancholia. His childhood migration from Siberia to Germany was a turn of fate that is reflected upon throughout his practice. Wist uses a range of materials, whereby tin and its ability to merge with fragile with the traces of being recycled or readymade linger, echoing the ambivalence of the past and the present.